礼服插图

1、找一本红色封面，插图很唯美的格林童话书

上海人民美术出版社的吧。
http://www.shangxueba.com/book/842129.html
http://shop1.paipai.com/cgi-bin/creditinfo/seo?p=1&id=

2、关于中国古代服饰分类

还有冕服，弁服，玄端，深衣，褕翟，禕衣，阙翟，纯衣等。

冕服：礼服中最专贵的一种，冕服均在祭典中穿着，是主要的祭服。其服式主要由冠、衣、裳、蔽膝等要件所组成。冕服的主体是玄衣、衣裳上面绘绣有章纹，而在最隆重的典礼时，穿九章纹冕服。

衣裳之下，衬以白纱中单，即白色的衬衣，古代衬衣通常是白色。下身前有蔽膝，天子的蔽膝为朱色，诸侯为黄朱色。鞋是双底的，以皮革和木做底，鞋底较高，周代天子，在隆重典礼时穿赤色的。

弁服：其隆重性仅次于冕服，衣裳的形式与冕服相似，最大不同是不加章。弁服可分为爵弁，韦弁、冠弁等几种，它们主要的区别在于所戴的冠和衣裳的颜色。

玄端：为天子的常服，诸侯及其臣的朝服。

深衣：古代凡是服礼都是上衣下裳不相连，惟此种衣裳是上下相连，分开裁但是上下缝合，因为「被体深邃」，所以称为「深衣」。

禕衣：为王后从王祭先王的俸祭服。

褕翟：为王后从王祭先公和侯伯夫人助君祭服。是青色衣，画褕翟纹十二章纹，褕翟羽色亦为五采。

阙翟：为王后助天子祭群小神和子男夫人从君祭宗庙祭服。是赤色衣，刻赤色缯的翟纹。

鞠衣：为王后率领命妇祭蚕神告桑的礼服，亦为诸侯之妻从夫助君祭宗庙的祭服。

展衣：又称襢衣为王后礼见王及宴宾客的礼服，亦是卿大夫之妻从夫助君祭宗庙的祭服。

禄衣：为王后燕居时的常服，亦为士之妻从夫助祭的祭服。

纯衣：为贵族之女的嫁衣。

(2)礼服插图扩展资料：

夏商与西周时的汉服衣着无实物存世，据安阳侯家庄墓及妇好墓所出玉、石人像，可知商代贵族上身穿交领衣，腰束绅带，下身着裳，腹前系市(蔽膝)。

西周时遗留下来的人像材料更少。从洛阳出土的玉人及铜制人形车辖来看，衣、裳、带、市仍是贵族男装的基本组成部分。其衣用正色，裳用间色，并特别重视裳前之市。

商代服饰不论尊卑和男女都是采用上下两段的形制，上着衣，下穿裳，后世称服装为“衣裳”，便是源自于此。其服饰的腰身和衣袖基本上设计为紧窄的样式，长度齐膝，便于活动。古代华夏族汉服上衣下裳，束发右衽的装束特点，就是在商代形成的。 

西周的建立，使社会生产力大大发展和提高了，物质明显丰富起来，社会秩序也走向条理化，并有了规章制度。汉服服饰形制也由于尊卑等级的存在、礼仪的需要而进一步规范化，被纳入"礼治"范围，尊卑贵贱，各有分别。

上衣下裳：那时的常服还是上衣下裳为主流，款式不变。只不过袖日趋发展变大，形成大袖，祛袂款式。衣裳也逐渐变宽。

满族的旗装，外轮廓呈长方形，马鞍形领掩颊护面，衣服上下不取腰身，衫不露外，偏襟右衽以盘纽为饰，假袖二至三幅，马蹄袖盖手，镶滚工艺装饰，衣外加衣，增加坎肩或马褂。

时至今日，它对现代服装也有一定的影响。特别是随时代发展，经过加工曲线突出体态优美的旗袍，挽回了满服缺少美感的一面。

旗袍或短装有琵琶襟、大襟和对襟等几种不同形式。与其相配的裙或裤，以满地印花、绣花和裥等工艺手段作装饰。襟边、领边和袖边均以镶、滚、绣等为饰。

清初满族妇女与男人的装扮相差不多，不同之处只是穿耳梳髻，未嫁女垂辫。满族妇女不缠足、不穿裙，衣外坎肩与衫齐平，长衫之内有小衣，相当于汉族妇女的肚兜，衣外之衣又称"乌龙"。

3、将帅出征时要穿，嫁闺女也离不开的披风，古人穿它难道只为好看？

披风算的上是现代大众对古代将领最深的印象之一，在现代人的想象中，古代将领都是面容坚毅身着坚甲，胯下一匹高头大马。锋锐长剑出鞘在手，背后大旗迎风飘扬，再来个画龙点睛的披风在风中猎猎作响，就是一个字:帅！其实除了帅，披风还有其它的作用，并且披风也不是什么珍贵的东西，无论是在军营，还是在民间，我们都能经常看到它的身影。

披风真的是披风吗

想来这个问题可能有点傻，披风不是披风，还能是什么，怕不是在戏弄我们？非也非也，按照我们通常的理解，披风是披在肩上向后随风摆动的一块薄布，材质先不说有绫罗绸缎麻葛粗布，重点就在于它薄，风可以吹得起来，一定要帅。而在实际上，这种想法虽然不能说是错的，但一定可以说是片面的。

1、不是所有披风都很薄

披风是指披用的外衣，又称“大氅”。披风一般分两种，即薄厚两种。披风没有袖子，是通过把上端的两根带子系挂在颈部来穿戴。而在军事方面，普通兵士的披风多倾向于实用，往往会在铠甲的肩部有两个铁环。那些厚实的披风就系挂在这两个铁环上。披风之短者曾称帔，长者也称斗篷。在民间应用中斗篷一般连帽，以起到更好的御寒作用。

因为地域与气候原因，披风往往在北方使用更多。而且就朝代来看，披风在明代比较流行。所以我们经常在古装电视剧中看到的男主在夜里为风中赏月的女主披上披风的情景，可能在明代比较多见哦。

女子披风

2、披风的作用是逐渐变化的

出于实用主义，人类的每个新创造新发明基本上都是以实用性作为要点。我们现在所知的披风实际上是由能够遮风挡雨的毯子变化而来。在古代，出于战事的需要，军队往往需要在野外露营。无论是寒冷的北方还是潮湿的南方，保持身体健康是必要的。随身携带铺盖卷也不现实，因为要保持一定的行军速度。这样，一张或厚或薄的毯子就显示出它便携实用的优点。慢慢地，毯子逐渐发展成披风，并拓展到民间使用。也可以说披风正是从军营中一步步发现出来的。

军事行动中将帅必需品，取暖御寒、急救保命

瑞士军刀之所以享誉世界，得益于它优良的品质与多样的功能。把古代披风与现代瑞士军刀进行类比，就足以说明披风在古代战争中用途的多样。单论功能数量可能披风逊色于前者，但重要性却有过之而无不及。

1、抵御风寒

第一实用功能自然是御寒。事实上，在披风发明后至它拥有其它特殊意义之前，它都是用来给士兵们抵御风寒的。就像是食物之于人类，一开始都是为了填饱肚子，后来才有味蕾上的追求。这种带有御寒作用的披风一开始在全军适用。上至将帅，下至小兵，几乎每个人都有这样的东西。直到后来披风变得更薄，更具有某些象征意义，挡风的大衣已经与醒目的披风不再是同一件物品。但尽管如此，披风还是能够稍稍起到一些御寒的作用。

2、掩护主将

战争中穿着越是醒目的人越容易招致敌人的攻击。但作为将领，他们的铠甲一定是比较闪亮的，况且在东方的战术思想中，“擒贼先擒王”是非常有效的方法。因此只要在战斗过程中发现了敌方主将所在，一般都会集结兵力猛攻。而暗色的披风能够遮挡住闪闪发亮的铠甲，有效降低我方将领被敌人发现的概率。而具有这种功能的披风往往都是暗色的披风，如果是红色等醒目颜色，反而增加了被敌人发现的风险。

我们在《三国》中看到的:曹操与马超交战，结果被马超大败，被马超带兵追杀。马超曾大喊:“穿红袍的是曹贼，追杀曹贼。”迫使曹操丢下身上的红色披风。这就是一个比较现实的例子，假使当时曹操穿着黑色披风，被马超发现的概率就会大大降低，也就不会有了“割须弃袍”的狼狈。

3、指挥引导

深色的披风有利于主将隐匿，亮色的披风则有利于主帅指挥，提升士气。古代战争中指挥系统并不完善，士兵们大都是些粗人，不能很好的理解各种战术。只知道“击鼓进军鸣金收兵”。一冲入战场杀红了眼之后，眼中就只有敌人。很多人在战斗已经进入尾声之后都不知道我方到底是胜是败。这种情况在几百人的小规模遭遇战中仍有发生，更别说在动辄几万人的超大战场上。

实际上就是打个群架很多人都会“上头”。而如果此时战场有身披红袍的主帅，本方士兵就能听从调度，有利于主帅统一指挥，进行对敌战术。同时主帅醒目地在战场上杀敌，对本方士气的提升与对敌方的震慑力也是很强的。

主帅都在战场上杀敌，你小兵不得更卖力？身先士卒向来也是中国对将领弘扬的一份美德。但需要主帅们注意的是，如果自身武艺不太行，最好还是慎用此招。万一稍有闪失，对本方的军心又是一个沉重的打击。主帅重伤则军心不稳，若主帅被擒或被斩部队更是可能直接溃逃。

将帅

4、表明身份

最开始披风是全军通用的，后来因为种种原因，它们只有将帅或禁军才能使用。这就发掘出了披风的新作用:表明使用者的身份。在披风已经高端化的年代里，军中只有校尉以上的军官可以穿戴披风。且披风越是华美，身份地位越高。通过大致看一下两人是否佩戴披风或者两人披风的比较，就可以大概得出这两人的官职谁更高。

同样的，禁军作为护卫皇城的精锐之师，是皇权的象征与体现，自然也需要用某些特征将他们与普通部队分开，披风就是其中的一项。其实披风的制作与价值并不是很高，而在于其象征意义。就像传国之玺，本质上不过是一块不很大的玉块罢了，甚至也可说是一块石头(石之美者玉)。但它所代表的皇权，才是人们重视它的原因。

其实除了以上的几点作用，披风还有更多的作用如受伤时包扎伤口、死后辨认身份等其它功能，在这里不再赘述。披风在军队中的象征意义大过实际意义，这点是无可辩驳的。关于古代军事方面披风的应用是好是坏，也是一件仁者见仁智者见智的事情了。

民间颇为喜爱，也是结婚标配

相对于军队，披风在民间应用广泛，也没有那么多所谓的象征意义，实用性大过象征性。据本人所知的，披风在民间也只有保暖与婚嫁方面用的更多。

1、保暖

民间使用的披风就没有那么多花里胡哨，一般都是以厚实作为第一目标。因此，民间的披风厚度普遍超过军队中的披风，但厚度也正合适，与一件衣服的厚度差不多，不会有披挂一床棉被的情况出现。

2、嫁妆中的一种

基础的御寒功能不再多余介绍，而令人称奇的是，披风在婚嫁中竟然也有应用。也许你没有参加过豪华的中式婚礼，但中式婚礼中鼎鼎大名的新娘饰品你却一定有所耳闻——凤冠霞帔。在古代作为富家千金出嫁的标配，凤冠霞帔可谓是豪华的象征。

而帔按照定义，正是短披风的意思。霞帔也叫做“霞披”或“披帛”，它的形状像两条彩练，上面印画图纹，穿着时把它绕过颈部，披挂在胸前，下垂一颗金玉坠子。曹丽芳老师介绍，霞帔大约起源于晋代，据《事林广记·服饰类》记载：“晋永嘉中，制绛晕帔子，令王妃以下通服之。白居易在他的诗句中也有过“虹裳霞帔步摇冠，钿璎累累佩珊珊。”的描写。但其实不仅在婚嫁方面，霞帔在平时也可由贵族妇女穿着。

北宋时期的贵妇们按照丈夫以及儿子的官职穿着不同的霞帔。霞帔也不是每个贵族妇女都能穿着的，按照规定，霞帔“非恩赐不得服”，如果没人赐予你，你就算有权有势，也是不能穿的。到了明代，帔也成为了后妃们在某些重要仪式中礼服的组成之一。

凤冠霞帔

总结

披风我国服饰文化中的一抹亮色，通过各种影视作品、插图以及文字描述，我们在头脑中构建出了一幅身披披风的英勇的军人形象。披风的“帅气”也随之定格于我们的脑海之中。在中国古代，披风逐渐由厚变薄、由实用主义向象征主义变迁。它所承担的的军事作用也从单纯的保暖变成一种标志、一种身份的象征。它具有引导的魔力，它拥有了令人醉心的味道——地位与权力。

不过这也是历史的必然，只要有不同的阶级，总要有不同的表现将两者区分开，披风只是其中之一。而在民间，披风虽然仍然侧重于实用的保暖，但它的华丽程度仍然表现出家庭的富有程度。而除了反映阶级差别，不同的披风衍射出的服装与搭配文化，也是披风所承载的东西。作为中华服饰文化的一部分，披风文化虽已渐渐远离我们的实际生活，但仍留下了浓墨重彩的一笔。

4、高中生国庆节的手抄报啊! 谁提供点图片和版面给我啊!

9月10日 07:12 朋友，我有关于“国庆节”手抄报的制作方法，希望对你有用啊！！！

国庆节手抄制作过程：

每逢遇到国庆节，学校总要要求我们画国庆节手抄报，我真是觉得又麻烦又担心，可是在创作设计国庆节手抄报的过程中我却十分愉快，因为我很喜欢画画，我把画手抄报，看作是正在画一幅五彩缤纷的画，当成是我的一种兴趣、爱好。

10月1日，我们又迎来了一年一度的国庆节。学校要求我们每人出一份手抄报，假期回来后交齐。“真倒霉，我又要开始忙个不停了”，不过，还好国庆节七天的假期还长着呢。等我选定了适当的时间，便要开工了。

我急匆匆地买来4开后便马上一头钻进书堆，用了着整整一个多小时的时间寻觅自己需要的东西。我如饥似渴地吮吸着精神的养料，最后我把所要的资料都找好了，书里夹满了纸条，我把找到的内容全都翻开放在书桌上，然后精挑细选出设计美观，插图合理的版面，接着拿出一张白纸，把参考设计出来的版面大略画一下，把需要改进的地方重新画一下，最后，我终于胸有成竹，要正式画在4开纸上了。
我拿着铅笔全神贯注地把设计好的版面画在4开纸上，接着把“庆国庆”三个大字画在空白处，然后画上各种插图，最后把需要染色的地方涂上颜料。嗯，就这样，国庆节手抄报的版面设计和主题就完成了。

不过，这样还不算完成，必须进行下一步，总不能让版块空着不管吧！所以还要写上些有关的内容，嗯，这次主题是“庆国庆”，我就应该写些有关国庆这方面的内容，幸亏我已经把内容找好，要不然啊，我就又要像没头苍蝇似的一头扎进书堆去翻翻找找了，不过我还得好好安排一下，版块有大有小，写进的内容必须适当，还有标题的字数必须与小标题的纹制设计合适，不能张冠李戴，力求每一方面都比较大方得体。内容写好了，整张手抄报也就基本上完成了，但最后还有一点可不能疏忽了，就是要认真检查，看看需要染色的地方局部有没有忘了染，小标题有没有忘了写，有没有地方是铅笔迹还没擦掉……

OK!总算把手抄报创作好了。

附：手抄报的编辑方法：

手抄报，也称手写报纸，它具有交流信息，展示成果，显示创作风格，制作过程简便的特点，因此，在大、中、小学广为普及。编辑出版手抄报能培养我们写字、画画、排版、信息处理等综合能力。交流手抄报，能让同学们取长补短，丰富课余生活。
手抄报的编辑出版一般为一个月一期，下面谈谈制作过程中的一些基本要求。
定人员。出版手抄报一般由一个假日小队构成一个整体单位。在确定人员后进行分工：1、主编。他是总设计师、总负责人。2、栏目责任编辑。负责一个或几个栏目的材料采集、审核、编辑工作。3、誊写。负责文字内容的抄写工作，要求由写字美观、整齐的同学担任。4、美工。负责小报整体、局部的美化策划工作。当然，大、中队辅导员仍然是中队手抄报出版工作的辅导员，在具体制作过程中遇到困难可别忘了他们。
定报名。报名的确定要醒目，文字简短，有小队特色，能明确小队奋斗目标，思想内容要健康积极。如“春笋报”、“雏鹰报”、“新世纪报”等等。
定材料。出版手抄报，首先要选择适合的纸张，一般为150克绘图纸，每份8——4开大小。其次选择一些长短不等的刻度塑料尺，必备的有50厘米直尺、20厘米三角板。第三装饰材料及工具以及誊写笔，其中包括黑色墨水、普通钢笔、美工笔、铅笔橡皮、水彩笔、水彩或水粉颜料等。材料可以集中保管，当然各小队之间也可以互相调剂使用。
制作方法。1、报纸格式。报头及其位置确定，包括出版单位、出版日期、期号、分工人员等。另外栏目分类时，将整张报纸定好合适栏目，分类选择内容。2、排版。排版是报纸的总体构思，要求有新意，做到整体中求变化，板块之间方圆结合、大小结合、横竖结合，同时可以借鉴其他报纸及黑板报的排版经验。3、插图。插图是小报中不可缺少的“味精”。具体操作时有两种方法，一是先用淡彩画背景图案，然后进行文字誊写；二是在文字誊写后再用水彩笔画插图。4、题图和尾花。题图的设计很重要，一篇文稿，给它一个醒目的题目，能增强它的表现效果。题图设计的时候，一要重视对题目文字的设计，字号要明显区别于正文，字体可以由内容来确定；二要重视对图案的穿插，要图文并茂；三是题图的位置摆放可灵活处理，上下、左右兼顾。尾花的设计同样具有装饰效果，一篇文稿的中间或最后，有意识地空下一些位置，画上一些装饰图案，效果往往很别致。值得一提的是，同学们可以将平时收集的装饰图库进行交流或选用，做到资源共享。5、内容采编。文稿来源途径主要有：自己写稿，包括好文章及老师评语；资料整理稿；剪辑有关刊物内容；其他来源稿。

以下三个网址都有现成的资料和图片，欢迎参考：
http://www.shw.cn/Article/msjy/xy/200604/23146.html
http://www.nctc.cn/info/news/2003/09/30/200309301451125347259.htm
http://www.blsy.net/Article/Print.asp?ArticleID=227

国庆节黑板报设计
在具体教学中教师应把培养学生的兴趣放在首位，只有把学生的学习兴趣调动起来了，学生才会学得主动，学得轻松。国庆节黑板报设计应该着重培养学生的爱国精神。在具体训练教学上，宣扬一下中华人民共和国成立的历史，让学生体会到其中的艰辛，同时也激发学生的爱国热情。另外，还可以在教师的启发和引导下结合其他学科，如：语文、历史、自然等和社会上具有典型代表意义的现象进行一些简笔画创作，这样既帮助了学生学习其他学科知识，培养了学生创造性思维，又提高了学生实际应用的表现能力。图案、美术字等方面结合课堂教学进度，采取课堂教学、课外提高的办法，给学生定予适度的量，通过教师的精心辅导，要求学生按质完成，这样在不断的实践过程中使学生熟练掌握表现要领。在书法训练方面，采取先读帖、再临帖、后脱帖的反复过程，使学生逐步提高欣赏水平和书写能力。
通过让学生分析或评价美术作品，涉足于美术鉴赏领域。使学生在感染熏陶、潜移默化和亲身体验的过程中，掌握艺术史知识、艺术表现手段的基本规律及其艺术语言，领会艺术作品产生的时代，作品内容的思想倾向及其由民族传统所决定的表现形式，从而感知美，创造美。通过吸收和借鉴艺术的精华，扩大学生的艺术视野，启迪智慧，发展形象思维能力和鉴赏能力，使学生的思想和情感得到升华，艺术修养得到提高，为形成正确的世界观、道德观、审美观和劳动观奠定科学的基础。
利用黑板报长廊开辟一个教师和学生在教与学中的心得窗口，正是教师深入了解学生，树立正确的教学观的一条不可多得的渠道。这对增强教与学的互动活力，掌握学生的学习实情，提高教学质量和加深师生感情起着桥梁纽带作用。教师利用这个窗口不断总结教学中的经验和教训，学生通过这个窗口谈论学习中的体会、收获及对教师教育工作的建议和要求，大家都畅所欲言，把教学的实际问题摆在桌面，这为学校加强教学工作管理，教师业务能力的自身建设和学生学习情况的反馈，提供了明确的依据，同时也增强了教学的透明度。
美术学科在黑板报长廊上开展多方面的素质教育，前景是广阔的，只要正确把握学生的身心特征，合理安排和穿插教学的内容，开展灵活多样的教学形式，尊重教育发展的规律，就一定能取得显著的教学效果。
--------------------------------------------------------------------------------
1、国庆节小知识
10月1日是中国的国庆节.中国人民在中国共产党的领导下,前赴后继,取得了人民革命的伟大胜利. 1949年10月1日,在首都北京天安门广场举行了开国大典,在隆隆的礼炮声中,中央人民政府主席毛泽东庄严宣告中华人民共和国成立并亲手升起了第一面五星红旗.聚集天安门广场的三十万军民进行了盛大的阅兵和庆祝游行.10月1日是我国的国庆节,为什么把这一天定为国庆节呢?中国人民经过一百多年的英勇奋战,在中国共产党的领导下,取得了人民革命的伟大胜利.在1949年10月1日宣告中华人民共和国成立,这是中国历史上一个最伟大的转变.1949年9月的政协一届一次会议上决定把10月1日定为国庆节
1949年十月一日下午3时，北京30万人在天安门广场隆重举行典礼，庆祝中华人民共和国中央人民政府成立。毛泽东主席庄的严宣告中华人民共和国、中央人民政府成立，并亲自升起了第一面五星红旗。毛主席宣读了《中华人民共和国中央人民政府公告》："中华人民共和国中央人民政府为代表中华人民共和国全国人民唯一合法政府。凡愿遵守平等、互利及互相尊重领土主权等项原则的任何外国政府，本政府均愿与之建立外交关系。"随即举行阅兵式和群众游行。朱德总司令检阅了海陆空军，并宣布《中国人民解放军总部命令》，命令中国人民解放军迅速肃清国民党一切残余武装，解放一切尚未解放的国土。同日，北京新华广播电台在天安门广场进行中华人民共和国开国大典实况广播。这是中国人民广播史上第一次大规模的实况广播，全国各地人民广播电台同时联播。
2、世界各国国庆节由来
世界各国确定国庆节的依据千奇百怪。据统计，全世界以国家建立的时间为国庆节的国家有35个。以占领首都那天为国庆节的有古巴、柬埔寨等。有些国家以国家独立日为国庆节。1804年1月1日，海地人民歼灭了拿破仑的6万远征军，在太子港宣布独立，从此就把每年的1月1日定为国庆节。墨西哥、加纳等国也是如此。还有些国家以武装起义纪念日作为国庆节。7月14日是法国国庆日。1789年的这一天，巴黎人民攻占了象征封建统治的巴士底狱，推翻了君主政权。另有一些国家以重大会议日为国庆节。美国以1776年7月4日大陆会议通过《独立宣言》的日子为国庆日。加拿大以英国议会1867年7月1日通过《大不列颠北美法案》这一天为国庆节。还有以国家元首的生日为国庆节的，如尼泊尔、泰国、瑞典、荷兰、丹麦、比利时等国家
3、国庆节历史由来
10月1日是我们伟大祖国的生日
1949年10月1日，是新中国成立的纪念日。这里应该说明一点，在许多人的印象中，1949年的10月l日在北京天安门广场举行了有数十万军民参加的中华人民共和国开国大典。其实，人们头脑中的这一印象并不准确。因为，1949年10月1日在天安门广场举行的典礼是中华人民共和国中央人民政府成立盛典，而不是开国大典。实际上，中华人民共和国的“开国”，也就是说中华人民共和国的成立，早在当年10月1日之前一个星期就已经宣布过了。当时也不叫“开国大典”，而是称作“开国盛典”。时间是1949年9月21日。这一天，中国人民政治协商会议筹备会主任毛泽东在政协第一届会议上所致的开幕词中就已经宣告了新中国的诞生。
那么10月1日的国庆又是怎么回事呢？在中国人民政治协商会议第一届全国委员会第一次会议上，许广平发言说：“马叙伦委员请假不能来，他托我来说，中华人民共和国的成立，应有国庆日，所以希望本会决定把10月1日定为国庆日。”毛泽东说“我们应作一提议，向政府建议，由政府决定。”1949年10月2日，中央人民政府通过《关于中华人民共和国国庆日的决议》，规定每年10月1日为国庆日，并以这一天作为宣告中华人民共和国成立的日子。从此，每年的10月1日就成为全国各族人民隆重欢庆的节日了
4、国庆节有关称呼
国庆节是每个国家的重要节日，但名称有所不同。许多国家叫“国庆节”或“国庆日”，还有一些国家叫“独立日”或“独立节”，也有的叫“共和日”、“共和国日”、“革命日”、“解放日”、“国家复兴节”、“宪法日”等，还有直接以国名加上“日”的，如“澳大利亚日”、“巴基斯坦日”，有的则以国王的生日或登基日为国庆日，如遇国王更替，国庆的具体日期也随之更换
每逢国庆日，各国都要举行不同形式的庆祝活动，以加强本国人民的爱国意识，增强国家的凝聚力。各国之间也都要相互表示祝贺。逢五逢十的国庆日，有的还要扩大庆祝规模。为庆祝国庆日，各国政府通常要举行一次国庆招待会，由国家元首、政府首脑或外交部长出面主持，邀请驻在当地的各国使节和其他重要外宾参加。但也有的国家不举行招待会，如美国、英国均不举行招待会。
外国国庆节摘要
（1）庆国庆乐曲声声焰火腾空
法国是以7月14日法国大革命时巴黎群众捣毁巴士底监狱这一天作为国庆日的。1989年，正值法国革命200周年。为此，法国举行了十分隆重的庆祝活动。当天，在巴黎爱丽舍田园大街上举行了盛大的阅兵式。阅兵式上，300多辆装甲车、5000名士兵、250架飞机及直升机接受了检阅。33位外国元首或政府首脑以及1万多位外国来宾应邀参加了庆典仪式。在现场，有80多万观众观看了仪式。当天晚上，在雄壮的《马赛曲》乐曲声中，20万支焰火腾空升起，8000多名来自世界各地的多个民族的演员参加了在协和广场举办的大型国庆演出。
（2）国庆节大典举国欢腾
每逢8月9日，新加坡都会举行国庆大典，举国欢腾。同时还有国庆检阅典礼，有战机和跳伞表演。当总统检阅仪仗队后，3架f-16型猎鹰战斗机、6架f-5s/t型战斗机及5架a-4su超级天鹰战斗机，共14架战机排列成五星与弯月形飞过，队形就像是国旗上的五星弯月。步兵队伍走过检阅台后，组成五星弯月队形的14架战机，又与3架军机——1架c-130大力士运输机、1架e-2c鹰眼空中预警机及1架福克50海事巡逻机飞越上空。接着，7架直升机，包括切奴克、超级美洲豹及uh-1h型直升机以v字队形飞过
直升机飞过后，接下来就是令人屏息仰首，由5名武装部队突击队员呈献的跳伞表演，他们在1500米的高空，从大力士运输机上跳下，他们身上都背负着40公斤重的装备，政府大厦周围摩天大楼林立，对他们来说是一个挑战。
（3）人潮花海庆佳节
5月17日是挪威国庆节（又叫宪法日）。在这个盛大的节日里，你会看到成千上万的人穿着民族服装，欢度佳节。街上，从少女到老妇几乎都是背带式拖地长裙，红色、白色、黑色、绿色，在厚厚的毛呢或棉布上绣着鲜艳的花朵和图案，每个人的胸前都有漂亮的银制饰物，有的还披着配套的斗篷，戴着不同色彩的民族小帽，真是绚丽多彩。男士的服装则从中世纪的宫廷礼服到21世纪的红色流行时装都有，也是千姿百态令人目不暇接。有许多老人胸前戴满了各种各样的勋章，手拿文明棍，头戴高筒礼帽，颇有绅士风度.
这天，通向王宫的卡尔·约翰大街变成了人的海洋、花的海洋、国旗的海洋。路两边临时竖起的高大旗杆上、楼顶上、阳台上、窗户上都飘扬着国旗
国庆游行开始的时候，国王穿着黑色礼服，站在观礼台中央；右边是身着红色礼服的王后；王后的右边是王子和公主。一切都是那么自然，那么纯朴，一切都体现了人们发自内心的对祖国、对民族的无限热爱。
4）各州首府轮流坐庄
德国10月3日的正式名称叫“统一日”，是法定节日，但并非“国庆日”。与法国把7月14日、美国把7月4日、瑞士把8月1日作为国庆节不同的一点是，德国这个类似国庆的重要日子里并无重大事件发生，不像法国1789年7月14日革命群众攻占了巴士底狱、美国在1776年7月4日发表《独立宣言》、瑞士在1291年8月1日缔结永久同盟。按照1990年统一后的规矩，各个州的首府轮流举办庆祝活动，如2000年轮到了德累斯顿。所以，尽管是逢五逢十，首都没有举办隆重庄严的庆祝活动并不奇怪。首都市民照样可以在秋季少有的明媚阳光下，尽情在勃兰登堡门前玩乐一番。
（5）国庆节的悠久历史灿烂文化
尼日利亚的民族独立日为10月1日。它是非洲古老的、人口最多的国家，有一千多年的悠久历史和灿烂的民族文化，在过去的一百多年间，尼日利亚一直是英国的殖民地，经济相当落后，人民生活十分贫困。尼日利亚人民经过长期英勇斗争，终于在1960年10月1日赢得了民族独立
6、国庆节爱国教育资料
中华人民共和国国旗
中华人民共和国国旗旗面为红色象征革命。旗上的五颗五角星及其相互关系象征共产党领导下的革命人民大团结。星用黄色是为着在红地上显出光明，四颗小五角星各有一角正对着大星的中心点，表示围绕着一个中心而团结。
1990年6月28日，第七届全国人大常委会第十四次会议通过了《中华人民共和国国旗法》。该法于当年10月1日起施行。
国旗的诞生
1949年6月16日新政协筹备会决定成立国旗、国徽图案初选委员会，并于当年7月14日至8月15日在人民日报等报纸发表征稿启事。1949年9月全国政协第一届全体会议期间，初选委员会将收到的3012幅图案选了38幅印发全体代表讨论。经全体代表分组讨论后，9月25日晚毛泽东主席召开国旗、国徽、国歌、纪年、国都协商座谈会。关于国旗的问题，毛泽东主席指出，五星红旗这个图案表现我们革命人民大团结。现在要大团结，将来也要大团结，因此，现在也好，将来也好，又是团结，又是革命。
1949年9月27日，全国政协第一届全体会议的全体代表通过决议，选定了由曾联松设计的五星红旗为中华人民共和国国旗。决议指出：“中华人民共和国的国旗为红地五星旗，象征中国革命人民大团结。”
更换国旗旗杆
竖立在天安门广场的旗杆曾更换过一次。
第一根国旗旗杆是1949年开国大典毛主席升旗时用的那根旗杆，高22米。
1991年5月1日重新修建了国旗旗杆，高度达32．6米。更换旗杆基于两种考虑，一是已站立了42年的国旗旗杆确实有些老化；二是天安门广场及长安街发生了巨大的变化，高大雄伟的人民大会堂、历史博物馆和毛主席纪念堂修建起来了，旗杆的高度已明显显低，与之不相衬。
改建后的国旗杆基座颇有讲究，共分为三层：内层四周是高80厘米的汉白玉栏杆，东西两边各有2米宽的出入通道；第二层是环绕基座的2米多宽的赭色花岗岩带，象征“人民江山万代红”；第三层是5米宽的绿化带，四季常青，象征社会主义祖国欣欣向荣。国旗基座四周是用56个黄色铜墩连成的护栏，象征56个民族手拉手心连心，团结在国旗下。
升降国旗
1990年通过的《国旗法》规定：升旗时，必须将国旗升至杆顶；降下时，不得使国旗落地。为此，国旗卫士们在降国旗时，练就了过硬的收旗动作：当国旗在2分07秒的时间内降到国旗杆底座时，一名战士迅速用双手将国旗托住，而后另一名战士将旗面均匀地打成折叠状，此动作精确在13至15把之间。
更换国旗
1990年通过的《国旗法》规定：不得升挂破损、污损、褪色或者不合规格的国旗。为确保国旗的圣洁和完整，天安门广场上空的国旗基本上每天都要更换一面。每逢重大节日，必须更换新国旗。即使国旗不受损，悬挂的最长时间也不能超过10天。
中华人民共和国国徽
中华人民共和国国徽的内容为国旗、天安门、齿轮和麦稻穗，象征中国人民自“五四”运动以来的新民主主义革命斗争和工人阶级领导的以工农联盟为基础的人民民主专政的新中国的诞生。
1991年3月2日，第七届全国人大常委会第18次会议通过了《中华人民共和国国徽法》，并于1991年10月1日起施行。
国徽的诞生
1949年6月16日，周恩来主持召开了新政协筹备会常委会第一次会议，决定在常委会领导下设立6个工作小组。第6小组的任务是研究草拟国旗、国徽、国歌、纪年、国都等方案，马叙伦，副组长叶剑英、沈雁冰任组长
1949年7月10日，新政治协商会议筹备会拟就《征求国旗国徽图案及国歌辞谱启事》，对国徽设计提出要求：“（甲）中国特征；（乙）政权特征；（丙）形式须庄严富丽。”9月25日，毛泽东、周恩来在中南海丰泽园召开会议，协商国旗、国徽、国歌等问题。这次会议上，大家对国徽应征图稿都不满意。毛泽东最后说：国旗决定了，国徽是否可慢一点决定，原小组还继续设计，等将来交给政府去决定。9月27日召开的新政协第一届全体会议，讨论并通过了国旗、国都、纪年、国歌4个决议案。大会主席团决定，邀请专家另行设计国徽图案。清华大学和中央美术学院收到了政协的邀请，分别组成了由建筑学家梁思成、林徽因领导的清华大学营建系设计组和以美术家张仃为首的中央美术学院设计组，展开设计竞赛。
1950年6月20日，国徽审查小组召开会议，最后一次评审清华大学营建系与中央美术学院分别提出的方案，最终确定清华大学营建系梁思成、林徽因等8位教师设计的国徽方案中选，并送政协大会表决。此后又根据周恩来总理的意见，改进了国徽的稻穗细部形象。
1950年6月23日，全国政协一届二次全体会议上，毛泽东主席主持通过决议，同意国徽审查组的报告和所拟定的国徽图案。9月20日，毛泽东主席签署中央人民政府命令，公布中华人民共和国国徽图案及说明：“国徽的内容为国旗、天安门、齿轮和麦稻穗，象征中国人民自‘五四’运动以来的新民主主义革命斗争和工人阶级领导的以工农联盟为基础的人民民主专政的新中国的诞生。” 1950年下半年，中央人民政府把制作国徽的任务交给了沈阳第一机床厂。1951年5月1日，由沈阳第一机床厂青年工人焦百顺、裴庆江、朱风仪等铸造出的中国第一枚金属国徽正式悬挂在天安门城楼上
国歌的诞生
在新中国建立前夕，人民政协开会商讨国歌。著名画家徐悲鸿和著名建筑学家梁思成委员力荐以《义勇军进行曲》作为国歌。毛泽东、周恩来当即表示支持他们的意见。但有人认为新中国就要成立了，而此歌的歌词中“中华民族到了最危险的时候”已经过时了，主张改词。周恩来发言，提醒大家要居安思危，安不忘危，留下这句话，让我们耳边警钟长鸣。1949年9月27日，全国政协第一届全体会议通过决议，在中华人民共和国国歌未正式制定前，以《义勇军进行曲》为国歌
聂耳（1912-1935年）。《义勇军进行曲》诞生于1935年，剧作家田汉作词；中国新音乐运动的创始人聂耳作曲。这首歌原为电影《风云儿女》的主题歌。影片《风云儿女》描写的是“九一八”之后，日本帝国主义侵占了中国的东三省，中华民族处于生死存亡的危急关头，在国民党反动统治下，一些知识分子从苦闷、彷徨中勇敢走向抗日前线。田汉在写完这部电影故事以后，便遭反动派逮捕，主题歌词是写在一张香烟的锡箔衬纸上。聂耳主动拿去歌词，在他去日本前完成歌谱初稿，到日本后不久，把歌谱全部完成寄回。歌曲随电影的放映，更由于救亡运动的开展，流传于全国每一个角落，被称为中华民族解放的号角。
“文革”中，由于田汉被打倒，歌词不让唱了，《国歌》只能由乐队演奏。1978年3月5日，第五届全国人民代表大会第一次会议通过了《义勇军进行曲》新词。改定国歌歌词后，各方面对此一直有不同意见，要求恢复国歌原来的歌词。直到1982年12月4日，第五届全国人民代表大会第五次会议通过关于中华人民共和国国歌的决议，撤销1978年3月5日全国人民代表大会通过的新词，恢复田汉作词、聂耳作曲的《义勇军进行曲》为中华人民共和国国歌。2004年3月14日，十届全国人大二次会议通过宪法修正案，规定“中华人民共和国国歌是《义勇军进行曲》。”

揪错 ┆

5、请问谁有插画大师多里安·克里文格的个人简介!

多里安·克里文格出生于美国的马萨诸塞州，长大后，则是在新泽西州度过他的年轻时代。

很小的时候就在其作品中创作出了独一无二的混合多变的奇怪生物，显示出其艺术思想中神秘而诡异的风格。起初，他还创作一些遥远古代的恐龙和怪兽，不久，他就挣脱了传统科幻/幻想美术的羁绊，运用自己无穷的幻想能力去开发个人化的作品主题。

在学校中，他就展现出出众的艺术才华和与众不同的观察视角，高中毕业后，他来到了Newark美术与工业艺术学校，但呆了没有几周，他就十分沮丧地退学了，原因很简单，他厌烦学校里一成不变的枯燥课程，但即使这样，美术老师一提起他，总是赞不绝口，在课堂老师出的测验题中，老师经常批评别的学生的作品，唯独对于多里安的画老师们常挂在嘴边说很好。在以后的日子里，多里安经常为纽约、芝加哥、洛杉矶等他的代理商工作，并得到了很好的评价，他成了一名成功的自由科幻插图画家。

多里安·克里文格基本上算是一个恐怖艺术家，但其作品无疑是唯美的——现代意义的唯美，带着怪异的妖媚。看他的作品敏感一些的观者会觉察到画中透着一种强迫症与焦虑症混合在一起的、烈酒一样辛辣却又爽口的味道。

他的笔下充斥着美女与令人生畏的甲克纲动物的结合体，以及刺猬般布满倒刺与铁棘的铠甲。《Flight》中的美人鱼是海洋中最危险的动物之一——蝠鲼，而她在水中翩翩起舞的姿态又是毫不含糊的最美的，如同穿着优雅的礼服款款移步滑行在豪华舞会上。想要浏览更过精彩的插画或者CG作品的话，蓝铅笔上面有很多，相信你会喜欢。

附上一幅插画大师多里安·克里文格的插画作品——蝠鲼。

6、时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一. 时尚插画的开始

时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛（Jacques Callot）和亚伯拉罕·博斯（Abraham Bosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括Le Mecure Gallant，The Lady's Magazine，La Gallerie des Modes，Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二. 十九世纪的时尚图样（The fashion plate)

时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如Horace Venet的《 Incroyables et Merveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-Jacques Gatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。 

到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。

三. 二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。 随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》（Gazette bon ton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的领军人物，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（Charles Martin），爱德华多·加西亚·贝尼托（Eardo Garcia Benito），乔治·巴比耶（George Barbier），乔治·勒帕佩（Georges Lepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（Umberto Brunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。

在美国，大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。 

从1910年到第二次世界大战爆发，《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（Helen Dryden），乔治·沃尔夫·普朗克（George Wolf Plank），乔治·勒帕佩（Georges Lepape），莱恩德克尔(F.X. Leyendecker)创作的艺术品。 

第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（Eardo Benito），查尔斯·马丁（Charles Martin），皮埃尔·布里索（Pierre Brissaud）和安德烈·马蒂（Andre Marty）。

四. 时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。

五. 时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章，或从事广告活动。

1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹（Antonio Lopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture（1982），Conde Nast’s Vanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六. 今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代，先驱插画师Ed Tsuwaki，Graham Rounthwaite，Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。

欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。

7、日本和服是什么样的

和服（吴服）是日本民族的传统服装，它是在依照中国唐代服装的基础上，经过1000多年的演变形成的。日本人将他们对艺术的感觉淋漓尽致地表现在了和服上。

和服种类繁多，无论花色、质地和式样，千余年来变化万千。不仅在男女间有明显的差别（男式和服色彩比较单调，偏重黑色，款式较少，腰带细，附属品简单，穿着方便；女式和服色彩缤纷艳丽，腰带很宽，而且种类、款式多样，还有许多附属品），而且依据场合与时间的不同，人们也会穿不同的和服出现，以示慎重（女式和服有婚礼和服、成人式和服、晚礼和服、宴礼和服及一般礼服）。和服本身的织染和刺绣，还有穿着时的繁冗规矩（穿和服时讲究穿木屐、布袜，还要根据和服的种类，梳理不同的发型）使它俨然成了一种艺术品。设计师不断在花色和质地上推陈出新，将各种大胆的设计运用在花色上，使现代印象巧妙地融入了古典形式之中。

江户时代以前，和服的“浴”字是指“热水”，那时候人们把和服称作“汤帷子（Yukatabira）”。帷子指单衣，即用于单穿的衣物。古时的浴室基本上都是蒸气式的，和现在的桑拿很相似。人们为了防止被墙壁和柱子烫伤，都穿着汤帷子入浴。汤帷子被称为“和服”始于江户时代。

后来，人们逐渐改变了入浴的形式，洗浴时不再穿衣，而是浸泡在热水中。于是，这种和服便成为洗浴完毕后穿着的简单衣物，并作为夏季休闲体现个人情趣的衣物延续至今。从价格上来说它和真正出席宴会的和服相差很大，一般在10万日币左右，而一般的和服则至少要100万。

最初的日本服装是被称国"贯头衣"的女装和被称为"横幅"的男装。

所谓"贯头衣"，就是在布上挖一个洞，从头上套下来，然后用带子系住垂在两腋下的布，再配上类似于裙子的下装，其做法相当原始，但相当实用。
所谓的"横幅"，就是将未经裁剪的布围在身上，露出右肩，如同和尚披的袈裟。

日本的和服，就是以此为基础逐渐演经而成的。在日本出土的公元素至7世纪的古墓的人偶埴轮上，已经有了各种和服的形象资料。

公元8世纪，中国唐代服装传入日本，对日本的和服产生了很大影响。

当时和服的名称，如"唐草"、"唐花"、"唐锦"等。"贯头衣"、"横幅"以及后来的"和服"，受到了东南亚的中国唐代服装的影响。但是在裁剪和制作上，和服却有其独到之处：和服属于平面裁剪，几乎全部由直线构成，即以直线创造和服的美感。和服裁剪几乎没有曲线，只是在领窝处开有一个20厘米的口子，上领时将多余的部分叠在一起。如将和服拆开，人们可以看到，用以制作和服的面料，仍然是一个完整的长方形。

由于和服的裁剪制作具有上述特点，所以在量体裁衣方面比较自由。在制作和服时，较少为人的体型所左右，高矮胖瘦不同的人，即使穿着同一尺寸的和服，也很少给人以衣不合体的印象。因为，它可以因人而异，在腰间调节尺寸。和服虽然基本上由直线构成，穿插在身上呈直筒形，缺少对人体曲线的显示，但它却能显示庄重、安稳、宁静，符合日本人的气质。

不仅如此，和服同时也顺应日本的自然；日本绝大部分地区温暖湿润，因此服装的通气性十分重要。由于和服比较宽松，衣服上的"透气孔"有8个之多，且和服的袖、襟、裾均能自由开合，所以十分适合日本的风土气候。

各种和服在款式和穿着方式上有"大同"，也有"小异"，正是这些"小异"，具有服装的一项重要功能：显示身份、年龄、所属的社会阶层。以女性的和服为例，这种"小异"主要表现在袖子上。和服的袖子大致分为"黑留袖"、"色留袖"、"本振袖"、"中振袖"，等等。

1."留袖"，即袖子相对较短。

2."黑留袖"和服往往点缀有精致的花纹，它是中年妇女的礼服，一般在比较隆重、庄严的场合，如婚礼、宴会时穿着。

3."色留袖"是有各种颜色的和服，穿着者比穿"黑留袖"的人年轻，也是隆重场合时穿着的礼服。

4."振袖"是未婚的日本青年妇女的传统服装，比较豪华，一般只在庆贺典礼、毕业，以及新年时穿着（今天，即使在这种时候也很少有人穿着这种和服）。
所谓"振袖"就是长袖，往往长达1米左右，垂至脚踝。

5.另外，还有一种被称为"色无地"的和服，在平时穿着。"色无地"没有花纹图案，但有颜色。

通气，是和服的一大优点和特征，因此和服的袖口、衣襟、衣裾均能自由开合。不过，这种开合，尤其是衣襟的开合，有许多讲究。不同的开合，具有不同的含义，显示穿着者不同的身份。例如，艺人在穿着和服时，衣襟是始终敞开的，仅在衣襟的"V"字型交叉处系上带子。这种穿着方式，不仅给人以一种和服似脱而未脱的感觉，显示一种含蓄的美，而且能显示从事该职业的妇女的身份。反之，如果不是从事该职业的妇女在穿着和服时，则须将衣襟合拢。但即使是合拢衫襟，其程度也有讲究，并以此显示穿着者的婚姻状况：如果是已婚的妇女，那么

衣襟不必全部合拢，可以将靠颈部的地方敞开。但如果是未婚的姑娘，则须将衣襟全部合拢。事实上，和服的穿着有着如此之多的讲究，以至在日本有着专门教人如何穿着和服的"教室"。

【和服的历史】

传说中日本神治时代有位依邪那歧命神，他在举行祓除（用斋戒沐浴等方法初灾求福）之事时，常常脱去上衣、袴、带，裸露身体。据后人考证，传说中描述的神治时代相当于日本的原始社会时期，那个时代日本人生活的遗址现已发现数千处，其分布区域，北起北海道，南至九州，几乎遍布全日本。原始社会的日本人以群体方式过着迁徙不定的生活，主要的生产活动是狩猎和采集（不要总是想到帝国时代去）。也许就是在那个时代，日本人开始了用动物的皮毛或者树叶加工御寒，走出了裸露的时代。 在绳文式文化时代后期（日本新石器时代，相当于前800-前500年）和弥生式文化时代（日本使用弥生式陶器的时代，相当于前300-300年），日本出现了两种基本的服装式样。一种是套头式圆领衫，造型类似于今天的圆领针织套衫；另一种是对襟式，门襟采用左衽，领尖至腰间，等距两初用细绳系结扣接，袖子为筒形袖，长度在膝以上。与上衣配套的还有袴、领巾、于须比。袴原指穿在下身遮掩于上衣内的一种裆布，但是这里的袴是指有腿部连接的类似于裤子的下装。男子有一种称为裳的缠腰，缠腰绕系于上衣，由于系结出现褶裥，使服装产生了一些变化。女子大都穿裳，与男子不同的是，女子裳长及地，形式与今天朝鲜妇女裙"其玛"颇为相似。

领巾一般作为装饰搭挂在两肩，搭挂的形式不限，通常是又个人的爱好决定的。在生产劳动中领巾还时常被用作挽系长袖的带子，或者作替代包袱布之用。在别离的场合，人们挥动着领巾，以示依依不舍的心情，它与后来明治时代流行的以挥舞手帕表示告别的作用是一样的。于须比是一种比领巾大且长的一种带状织物，蒙在头晌垂绕至腰间。古代日本妇女忌讳被男子窥容，所以用于须比蒙面。

据《古事记》、《日本书纪》、《植轮图集》、《古语拾遗》等文献记载，日本绳文式文化时代后期和弥生式文化时代的服装已经采用楮布、麻布、棉粗布、藤布、科布等植物纤维材料制作，带子是选用倭文布。服装材料的出现笼罩着神话的光晕，如天日鹫神裁楮织布、日长白羽神自创麻布以利民用。

染色在当时已经比较普遍，据《应神记》载景行天皇时，平民已经知道用茜草染红、靛蓝染青、荩草染黄、橡果染果黑、紫根染紫。染织品大多无纹，偶有一些印纹，一般都是直接利用树叶花草擦印完成的。所用的植物有月草、燕子草、榛、山蓝、忍冬等。

1.奈良时代：日本上古时代的粗布服装，窄袖斜襟，与古代中国穿着十分相似。但是，真正有文字记载，将中国服饰引进日本，并使之制度化的，应该是从奈良时代开始。日本的奈良时代正值中国盛唐时期。日本派出大批学者、僧侣到中国学习。这些遣唐使者把唐代文化艺术、律令制度都带回了日本――"衣服令"就是奈良时代模仿唐代制定的制度之一。"衣服令"规定了礼服、朝服和制服――朝服包括冠帽，按官职等级区分；制服是无官职的公务人员的服装，按行业分类。总体而言，奈良时代的服装色彩还是较为简单的。 平安时代：到了平安时代(九世纪以后)，由于国风的盛行，日本和服渐渐摆脱外来的影响，发展出独有的奢美与精致的特色，其衣服色彩开始多样化，衣袖也向宽大方向发展。举个例子，熟悉日本史的人一定听过"唐衣"和"十二单"。唐衣是盛装（礼服）的一种，以紫、绯为贵，金碧辉煌，美丽异常。十二单实际是一种穿着方式，她并不是十二层单衣，而是在单衣上叠十二层被称为圭的服装，圭轻薄透明，多层圭叠起时仍然能隐约看见单衣或表着的颜色，倍添朦胧恍惚的美感。从这里也可略窥日本人的审美观，既喜欢抽象化的美，又喜欢真实细致地反映自然世界的美感。

2.镰仓时代：由于过度腐化，穷奢极欲，公卿统治终于衰退。镰仓时期，相对精干、简易的武家文化出现，这一时代特征也反映在服装上。当时，元朝统一中国，并连续十次侵犯日本：日本人为了便于战争，服装又回复朴素，宽袖又变回窄袖。

3.室町时代：室町时代，在衣服上印上家纹（古代日本按姓氏每家都有家纹，估计家纹数目超过二万种），便服设计开始礼服化。直垂和侍乌帽子是时髦的男装，普及很广。而女装则更朝简单化发展。

4.桃山时代：织田信长的安土、桃山时期(十六世纪中叶)，人们开始讲究不同场所穿着不同服式，于是出现了参加婚宴、茶会时穿的"访问装"和参加各种庆典、成人节、宴会、相亲时穿的"留袖装"。女子流行穿着小袖：虽然美丽，但比起唐衣之类，还是简陋。这一时期，带有鲜明民间性的"能乐"逐渐成型，绮丽豪华的"能"装束出现。此时，公卿的服装没有大的改变，基本是平安时代宫廷服装的延续，而公卿与武家的最终融合是在明治时期，那是后话。

5.江户时代：江户时代是日本服装史上最繁盛时期，其时，男装、女装虽有变化，（如女装的小袖形状变得接近现代，而男装流行羽织<以黑五纹为正装，茶、黄次之>，带结开始流行。）但是，基本格局已定，到了明治时代，现在意义上的和服就定型了，此后一直没有太大变化。我们现在今看到的和服大都是沿续了江户时代服装特式。

【和服的美术】

日本的绘画史一直是与中国的美术史同步的，特别是在中国唐代的时候，佛教艺术传人中国及日本，无论是寺庙中的壁画塑像还是生活中的肖像画，两个国家都有相似之处。

真正反映日本和服的绘画作品主要是日本的风俗画。日本的 风俗画兴起于室盯时代(1392-1573年)，相当于中国的明代。 当时有许多中国的风俗画传入日本，如反映中国古代劳动人民生 产过程的《耕织图》，被日本画家作为一种模式来效仿，以致日本 也出现了许多版本的《耕织图入有狞野永纳本，也有和歌山县高 野山遍照尊院的彩绘屏风《织图》等。但日本风俗画的真正兴起是在江户时代，当时虽然有一派古典画派专以传统物语为绘画题材，如源氏物语、净琉璃物语等都相继出现于当时皇宫贵族的屏风上，这种传统题材一般用传统的绘画手法来表现。画中人物穿着的都是当时宫中的华丽衣服，造型风格有些类似有职雏人形。 但当时更多的是同时绘于这些屏风上的风俗画，这是江户初期 (16世纪初)的一大特色，其绘画中心在京都，当时正值广仁文明之乱之后，京都的经济正在复兴，作为复苏象征的明广九年的 园祭活动也在京都一年一度地举行，正因为如此，一系列的屏风图大量出现，如狞野永德的《洛中格外图》，此图有三种版本，盯田本、历博乙本、上杉本，此外还有藏于东京国立博物馆的《洛中风俗图》屏风(17世纪前半)、静嘉堂文库的《四条河原游图》屏风，这些屏风的题材颇有些类似于唐代的游春图，但人物更为众多，场面更为宏大，其中突出的是歌舞伎的内容。如四条 河原和六条柳叮。前者是歌舞伎兴起的中心地，后者是游女歌舞 伎云集的地方。开创于庆长八年(1603年)的北野社头歌舞伎在一夜之间流行起来。庆长末年在四条河原常设舞台，供六条柳町游女们来表演，当时有大量的文字记载了这一风俗，当地成为京都的文化中心地。从中可以看出当时和服的穿着情况。

但是，歌舞伎的盛况为当政者所反感，宽永十六年政府下令禁止歌舞伎，所以在宽永年间大量增加的是室内游乐图。

到江户中期，与风俗画相对应的是桃山时期的浮世绘，浮世绘是从室内游乐图中抽出单独的一个美人进行描绘，这种形式在宽文时代特别流行，因此称为宽文美人图， 其中的《八千代大夫图》是特别优秀的作品。

17世纪中叶，在江户的出版物中出现了版画插图，绘制这些插图的称为板下绘师，大多都是无名的绘师，其中脱颖而出的是菱川师宣(-1694年)，师宣曾担任进原西鹤《好色一代男》江户版的插图作者，其中的每一幅插图都能独立欣赏。师宣是一枚绘的创始人，他所作的《见返美人图》中的美人身穿红色小团花地的刺绣大团花图案的和服，美人回首，巧笑倩今，极为动人。

明和二年(1765年)开始流行以俳人为中心的绘画。用豪华的多色摺招版画来制作，其中优秀的作者是铃木春信(1725-1770年)，其版画有如锦之美，故称锦绘，其所绘美人尤以柳腰为美，风靡一时。春信以后的美人画代表有胜川春章、鸟居清长等，但最为有名的浮世绘大家则数喜多川歌磨(1753-1806年)，其画大多是半 身绘或大首绘，如《妇人相学十躯》等。此后有许多反映蚕桑或纺织生产的风俗画也用了这种浮世绘的风格，画中的女性穿的则是下层劳动妇女的和服。

日本到现代还有美人画这一专门画派，所画大多都是穿和服的日本妇女。

从明治三十年开始，日本的画家开始创造了新的美人画法， 大约可以分成三个流派，一是从浮世绘中脱胎而出的近代美人画派，以关东镝木清方为代表；二是以贵妇和上流社会的太太们为主的美入画，以圆山四条为代，其中上衬松园的作品中有着成群的穿和服的日本太太，丰姿绰约，脸庞丰润，所描绘的和服制作方法也十分清楚，是绞缬还是友禅，都能分清；三是东西合壁的美入画，以西洋画的风格来描绘穿着和服的日本妇女。

上述与和服有关的美术作品。不但保存了历史上不同时期的和服的色彩、面料、图案、款式和配饰，还反映了和服的穿着方法，以及穿了和服的日本人的举手投足的千姿百态。此外，这些作品事实上是艺术家眼中的和服，流露了艺术家及其同时代人对和服的态度和感情。

【和服的种类】

和服的种类很多，不仅有男女和服之分，未婚，已婚之分，而且有便服和礼服之分。男式和服款式少，色彩较单调，多深色，腰带细，穿戴也方便。 女性和服款式多样， 色彩艳丽，腰带宽，不同的和服腰带的结法也不同，还要配不同的发型。已婚妇女多穿"留袖"和服，未婚小姐多穿"振袖"和服。此外，根据拜访、游玩和购物等外出的目的不同，穿着和服的图样、颜色、样式等也有所差异。

1.留袖和服：女性参加亲戚的婚礼和正式的仪式，典礼等时穿的礼服，主要分为黑留袖和色留袖。以黑色为底色，染有五个花纹，在和服前身下摆两端印有图案的，叫"黑留袖"，为已婚妇女使用；在其他颜色的面料上印有三个或一个花纹，且下摆有图案的，叫"色留袖"。

2.振袖和服：又称长袖礼服，是小姐们的第一礼服，根据袖子长度又分为"大振袖"，"中振袖"和"小振袖"，其中穿得最多的是"中振袖"。主要用于成人仪式、毕业典礼、宴会、晚会、访友等场合。 因为这种和服给人一种时尚的感觉，所以已婚妇女穿"中振袖"的也越来越多。

3.访问和服：是整体染上图案的和服，它从下摆，左前袖，左肩到领子展开后是一幅图画，近年来，作为最流行的简易礼装，访问和服大受欢迎。开学仪式，朋友的宴会，晚会，茶会等场合都可以穿，并且没有年龄和婚否的限制。

4.小纹和服：衣服上染有碎小花纹。因为很适合用于练习穿着，所以一般作为日常的时髦服装，在约会和外出购物的场合，常常可以看到。小纹和服也是年青女性用于半正式晚会的礼服。

5.丧服：连腰带在内全部为黑色，丧礼时穿。

6.婚服：结婚时穿的礼服。

7.浴衣：沐浴之前所穿。

8.男式和服：男子和服以染有花纹的外褂和裙为正式礼装。除了黑色以外其它染有花纹的外褂和裙子也只作为简易礼装，可以随便进行服装搭配。

9.素色和服：这是一种单色和服（除黑色以外），如果染有花纹可以作礼服，如果没有花纹则作日常时装服。

10."付下"和服：袖子，前后身，领子的图案全是自下而上的方向印染的和服总称。比访问和服更轻便舒适。

11.十二单：乃是古代妇女进宫或节会时所穿的盛装礼服。分为唐衣、单衣、表著等，共十二层

【和 服 的 穿 法】

和服的穿法

练习和服的基本穿法，熟练后，会穿得很漂亮。如果让别人穿，穿时容易，解时难。 穿出和服的韵味要掌握以下要点：

首先第一步是穿上足袋（袜子），然后按顺序整齐穿上，带子不能系得太紧。

1． 披上和服，把内衬衣的袖子套进和服袖里。把和服的背缝调整到后背中心，然后用夹子把衬衣与和服的领子固定住。

2． 用手提起领子并调整下摆的长度，以不接触到地面的长度为止。

3． 打开和服把前领放到腰骨的位置，决定正面的幅宽。和服边缘与身体侧边对齐为宜。

4． 决定幅宽后，慢慢把正面打开，接着把底面合身定宽，然后把右手所拿着的领子下部提高10公分，使下摆线程倾斜状。

5． 重复正面，把左手所拿的领子下部分提高5公分，注意不要错位。腰间出现后皱折往上调整。

6． 在腰间系上第一根细绳。带子从身体正面往向系，在背中交差后线回到前面打结。

7． 把腰间的皱折拉平。手从和服袖裉下的开衩处伸进去检查和服是否被带子夹住，弄平背后多余的部分。

8． 同样把胸前多余的部分平整好，把皱折拉到腋下，两手抓住两袖边，轻轻拉袖口。

9． 检查两领子是否整齐交差好，如有错位，把手从袖裉下的开衩口伸进去调整。领口开衩不能太在也不能太小。

10． 在胸下系上第二根细绳，多余的部分一定要拉整齐，正面重复的部分程水平状。

11． 端正腰身，在胸前系上一条叫"伊达"的小带子，因为小带子有伸缩性，注意不要系得太紧。

12． 检查胸前和后背是否有折和松懈，有的话，往腋下这边拉平整。

整体完成后用大镜子检查是否有差错，然后摘下领上的夹子。

和服带子的系法

下面介绍一种基本的系带方法，操作简单易学，使用场合较广。如果是你一个人系带的话，可以在胸前打结，然后右手拿着结子，左手拿住后背的下侧，从右方向把结转到背后。

1． 把腰带宽上下对折，贴在腰上，取好打结眼的长度，结眼长以20公分为宜。

2． 把打结眼的部份挂在肩上，剩下的部份严整地围腰两圈。

3． 围腰两圈后剩下的带子对折后与挂在肩上的一端打结。

4． 两脚稍分使身体稳定，然后用力勒紧带子。

5． 拿起打结眼的部分叠成三折。

6． 用一条绳子绕两肩一圈系好，用夹子把结眼部份固定在绳子上。

7． 把结翅部份的皱折拉平整。

8． 结翅的长度与两肩同宽，正面朝上卷好。

9． 拿起结翅，在带子衬垫上放入带枕后卷好。

10． 把结翅叠成漂亮的褶，贴在后背上。

11． 把结翅打开整理漂亮。

完成后再做一次检查调整好结翅的角度。

【和 服 的 禁 忌】

和服的着装禁忌

据说，周武王气绝后，有12人小臣分别拿着武王常穿的冕服，分头爬上各处屋顶上面，面向北方大声叫喊："天子回来啊！"连叫三声后，又回来把冕服盖在武王身上，希望武王的魂魄可以跟了衣服回来。（想起电视连续剧《三国演义》里公瑾死掉后一干人等一边用衣服招魂一边大叫"都督归来"的情形没有......） 日本也有用衣服"招魂"的习俗：人们或者在死者的枕边，或者登上房顶朝向高山大海，或者挥动死者衣服大声呼唤死者回来。为死者洗用过的衣服时，要面北而洗，夜半晾晒。洗完晾干后，必须整整齐齐叠好，收藏一段时间后再用棒敲打几下，生者才能穿用。因此，人们在日常浆洗衣服时，都绝不朝北晾晒，而且夜间也不挂在外面。

在城市，正月初一，大部分家庭都不洗衣服。古俗，每月的一日、十五日、二十八日，甚至彼岸等祭日也不得洗衣。这固然是节假日需要好生休息，也是畏惧这一天祭祀对象的魂灵飘游而过时附在晾晒的衣服上。新穿刚做好的衣服时，有的地区（如纪州）先将衣服披在柱子上；有的地方（冲绳）要口唱"我也千年，柱也千年"、"衣服单薄，身板结实"。即使不先给木柱穿，也要叠好后敲打两下再用。这都是出于担心衣服上藏有某种魂灵的缘故。收藏一段时期后用棒敲打，或者先给木柱穿，从主观愿望来讲，希望起到化解的作用，去灾避邪。

《无何集》载："毋反悬冠，为似死人服"，河南沁阳一带有"反穿罗裙，另嫁男人"的传说。由于死者去的是一个与阳世截然相反的阴间世界，所以死后要反穿衣，反戴帽。日本习俗，人死了下葬时，要左向掩衣襟，意味着死者的一切装束都与生者相反。所以，平时人们穿衣服时，最忌讳领子窝在里面，或者以后为前，以里为面。

同样，由于"万物有灵"思想，人们认为自己穿用的衣服必然寄存有自己的灵魂，把自己穿用的衣服赠给最亲近的朋友，意味着把自己的魂魄也赠给了对方，足见一片诚心。有的人赠衣时，还在兜内放一枚五圆的日币，这是取五圆的谐音，表示"御缘"（与您有缘）之意，目前还存在的赠"买衣服钱"、"买腰带钱"，都是这种习俗的表现。

和服的色彩禁忌

《中国民间禁忌》一书中曾将服饰的颜色归纳为四：贵色忌、贱色忌、凶色忌、艳色忌。
《礼记》载，天子弹服装因季节不同而颜色不同，按季节的阴阳五行，分为青、赤、黄、白、黑五色。
唐太宗贞观四年定百官朝服颜色，紫列朱前：三品以上服紫；四品、五品服绯；六品深绿；七品浅绿；八品深青；九品浅青。
可以这样说，日本历史上的色彩禁忌与这些都有不同程度的相似之处。

推古天皇十一年（605年），圣德太子颁布"冠位十二阶"，按阶位用冠。
从上至下是德（紫）、仁（青）、礼（赤）、信（黄）、义（白）、智（黑）。这六种颜色和冠位又分别细分为大小两种，共十二阶。

日本历史上曾定桔黄色、深红色、青色、深紫色分别为皇太子、太上皇、天皇、和亲王的礼服用色，限制他人使用。尤其深红色和深紫色，更不准皇室以外的人使用，这种规定一直持续到1945年。

在日本高松冢古坟壁画上，除有唐装男子和女子画像外，尚有作为四方守护神的青龙、朱雀、白虎、玄武（黑龟）画图。直到今天，在日本的一些地方穿着和服时，非隆重仪式，一般不选用白色和红色。因为白色代表神圣、纯洁；红色象征魔力。

8、《美丽女孩儿》培养女孩正确的审美观，到底有多重要？

法国健康杂志《TOPSANTE》曾对来自14个不同国家的10—17岁的5165位女孩进行调查咨询，得出了令人震惊的结果：其中只有46%女孩对自己的身材表示比较满意，而在剩下的54%的女孩中，70%的女孩已经开始节食，80%的女孩甚至拒绝与亲友见面。

通过这些调查数据，我们可以看出 超一半女孩对自己的身材不满，甚至为此感到自卑。

对此，专家给出建议：应努力帮助女性增加抵抗力，以克服因追求美丽带来的压力。此外，还需改变社会文化环境，做到不以外貌评价女性。

在现实生活中，人们往往更多的赞美女孩的外表，但很少注意女孩的内在，而对男孩却恰恰相反。

所以受社会文化的影响， 女孩会不自觉地重视外在美，忽略内在美。

为了让女孩改变对外在美的过度执着，帮助她们树立强大的自信心，美国作家斯泰茜·麦克安尔蒂联手马来西亚插画家乔安妮·卢·弗里特霍夫共同创作了绘本《美丽女孩儿》，在书中两人颠覆了传统的审美观，对美进行了全新的定义。

斯泰茜·麦克安尔蒂是2017年度以斯拉·杰克·济慈新作家奖优秀奖获得者。乔安妮·卢·弗里特霍夫多次获得插画大奖，包括2015年度妈妈选择奖金奖，2015年IBPA本杰明·富兰克林奖金奖等。

两人用简洁生动的文字和绚丽有趣的插画， 展现了不同肤色、不同风格的女孩的生活趣事，旨在说明每个女孩都是独一无二的，坚持做自己才能活出最美的样子。

“翩若惊鸿，婉若游龙。荣曜秋菊，华茂春松。髣髴兮若轻云之蔽月，飘飖兮若流风之回雪。”这是曹植笔下洛神的美。

“两弯似蹙非蹙罥烟眉,一双似泣非泣含露目。……娴静时如姣花照水,行动时似弱柳扶风。”这是曹雪芹笔下林黛玉的美。

“她的脸，从前是白得像磁，现在由磁变为玉──半透明的轻青的玉。上颔起初是圆的，近年来渐渐的尖了，越显得那小小的脸，小得可爱。脸庞原是相当的窄，可是眉心很宽。一双娇滴滴，滴滴娇的清水眼。”这是张爱玲笔下白流苏的美。

古往今来，作家们用精妙绝伦的文字，塑造了一个个美丽动人的女性形象。

这些作家虽然生活在不同的时代，成长于不同的环境，但是他们对女性美的定义，却是惊人的相似。简单总结一下，无外乎娴静端庄，温婉柔顺，身材苗条，肤白貌美……

这种审美观影响了一代又一代人对美的认知和追求。

《美丽女孩儿》打破了这种固化的审美观， 书中的女孩不是传统意义上琴棋书画样样精通的窈窕淑女，而像是无拘无束野蛮生长的男孩子。

书的第一页是五个可爱的小女孩，她们肤色不同，表情各异，装扮时尚，悠然地趴在墙头上，浑身散发着耀眼的光芒。显而易见，个个都是漂亮自信的女孩。

翻到下一页却是真相大揭秘，图中展现的是趴在墙头上的五个小女孩背后的景象，有人蹲在旧纸箱上；有人踩在箱子上；有人挂在墙上，袜子马上要从脚上脱落下来；有人正往墙头攀爬，裤子破了一个大洞；有人踩在桶上，腰上别着一把剑。每个人身上污渍斑斑，显然这是玩乐打闹留下的痕迹。

配文却非常耐人寻味，说她们“拥有无可挑剔的模样”。

她们究竟是怎样的女孩呢？书中从多个角度对她们进行了描述。

在运动场上她们努力拼搏，即便坐在轮椅上也毫不气馁。

在游戏中她们全情投入，即便扮丑扮怪也毫不在意。

无论是昆虫研究，还是科学实验，她们认真钻研，耐心专注。

无论是捕鱼，还是种花，她们不怕脏不怕累，从中找到乐趣。

玩滑板、才艺表演，她们大方展现自己的特长，毫不羞怯。

书中的女孩虽然肤色不同、风格不同、爱好不同，但是她们都朝气蓬勃，活力四射。所以说，每个女孩都是独一无二的美丽存在。

小侄女3岁的时候，看到我往脸上拍保湿水，她就会说：“姑姑，我也要。”

我往她的手心里滴两滴，她就会认真地往脸上拍，然后笑盈盈地端详着镜中的自己，一脸的满足。

开始爱“臭美”，是因为孩子对自我产生了审美要求，所以此时家长应该正确地引导孩子。

早教专家李芷怡在《儿童敏感期成长指南》一书中指出：

3-4岁是孩子的审美敏感期，这个敏感期有助于培养孩子不一般的个人气质，提高孩子的个人素养，让孩子将来很容易在人群中脱颖而出。所以，父母应该支持孩子的这种成长需要，并适当引导孩子形成正确的审美观，使孩子渐渐形成自己的个人魅力和个性。

然而，什么是正确的审美观呢？

《美丽女孩儿》原版封底给了我们最好的答案： 决定你美丽与否的，不是衣着、发型和风格，而是你自己。

简而言之，所谓美丽，就是做自己，活出真实的自我。

我们可以看到，书中的每个女孩都乐观自信，活出了自己最真实的模样。

她们大口大口地吃橙子，虽然汁水流得全嘴都是，但是她们并不觉得难为情，依然展露出甜美可爱的笑容。

她们下河捕鱼时，虽然全身湿透，头发上沾满杂物，但是她们并不觉得糟糕，依然开怀大笑。

她们无拘无束地载歌载舞，尽情与他人分享快乐。

她们开心地玩滑板，即便坐在轮椅上依然舞蹈，爬到大树上去帮助小鸟……她们勇敢地做任何自己喜欢的事，并不在意世俗的眼光。

她们对着镜中的自己做鬼脸，虽然并不完美，却依然喜欢自己独特的模样。

她们像山间的花草，不惧风雨，恣意生长，尽情绽放自己的美丽与芬芳。

讲真， 这种由内到外对自己的认可，才是真正的美丽。

从小引导女孩树立这样的审美观，那么无论她们相貌身材如何，都不会自卑怯懦，而是自信乐观强大。

《美丽女孩儿》无论是文字还是插图，都极具特色，又富有韵律。

斯泰茜·麦克安尔蒂在文字的创作上十分巧妙，不仅简短，而且富有节奏；乔安妮·卢·弗里特霍夫的插图风格鲜明，用大胆的线条图和丰富的色彩，赋予每个女孩不同的个性和魅力。同时，简短的文字可以激发读者的想象，从而达到图文互补的艺术效果。

比如：

“美丽的女孩儿，举止优雅又大方。”如果只看文字的话，一般会认为配图应该是女孩穿着漂亮的礼服正在参加宴会的一幕，插图中却是女孩在踢足球、打棒球、打橄榄球、打篮球。她们的身上脏兮兮的，却毫不理会，仍然在运动场上尽情地挥洒汗水。

“美丽女孩儿，有着甜美可爱的笑容。”如果只看文字的话，一般会认为配图应该是文雅得体、笑不露齿的女孩，插图中却是两个女孩在狼吞虎咽地吃橙子，汁水顺着嘴巴流到了衣服上，牙齿大面积暴露出来，并且其中一个女孩的牙齿上还带着牙套。

“美丽的女孩儿，有着鲜花的芬芳。”如果只看文字的话，一般会认为配图应该是打扮时尚、明艳照人的女孩，插图中却是三个女孩在种花，她们身上沾满泥土，却专心劳作，没有一丝抱怨。

文字虽然清晰地罗列出美丽女孩的多重定义，但是插图中的女孩形象与传统意义上美丽女孩相去甚远，这种有趣的图文组合带给了读者不一样的阅读体验。然而，我们需要明了的是，作者的目的是赞美书中这群朝气蓬勃、充满活力、喜欢冒险、勇于探索、独立率真的女孩。

很多家长习惯用碎碎念的方式教导孩子，你要这样要那样，你不要这样不要那样。譬如：你要好好学习，要大方得体；你不要把衣服弄脏，不要参与危险的游戏。其实，孩子们早就厌烦了这一套说教。《美丽女孩儿》却颠覆了这一切， 鼓励女孩尽情释放天性， 刷新了家长的教育观。

这部励志又美丽的绘本，不仅适合女孩和家长阅读，也适合男孩阅读。男孩可以通过本书认识到，女孩的美没有单一的标准，每种风格的美都值得尊重和赞美。此外，男孩也可以从中获得积极向上的力量。

总之，本书不仅帮助女孩树立正确的审美观，也刷新了家长的教育观，同时还可以帮助男孩正确地认识女孩。值得一提的是，本书是中英双语绘本，所以十分适合3-6岁的孩子双语的学习。

《小妇人》里有这样一句话:“ 每个人都是自己生活的主宰，你可以用心书写下属于自己的生命印迹。 ”

你会为自己写下什么样的生命印迹呢？

愿每个女孩都能为自己写下最美丽的人生篇章。